Museo del LOUVRE

Museo del Louvre, París – Francia

¡Ahoy! ¡Buenas! ¿Cómo va? ¡Qué placer este post! el museo más visitado del mundo, emplazado en París, Francia, te va a encantar! Esta fantástica galería de arte hay que aprovecharla bien así que te conviene informarte antes de visitarla. Veni que te cuento!

Museos de arte en París (además del Louvre)

París es conocido por su rica cultura, aquí vas a encontrar más de 150 museos, entre ellos se destacan, en referencia al arte, éstos:

• El museo D’Orsay (impresionismo y realismo)
• Centro Pompidou (arte moderno y contemporáneo)
• Museo Rodin (esculturas del artista)
• Museo Orangerie (impresionismo, postimpresionismo y arte moderno)

¿Sabías que el museo del Louvre tiene dos apéndices?

Abrieron 2 sucursales: una en Lens (Francia) desde el 2012 y otra en Abu Dabi (Emiratos Árabes) desde 2017 .

El Louvre

Se encuentra en el corazón de París, a escasos metros del romántico río Sena. A él vas a llegar como quieras ya que tenes múltiples servicios de transporte público, ¡hasta en barco podes llegar! (en el llamado “Batobus”).

La palabra Louvre deriva de la lengua franca y significa “lugar fortificado”.

En primera medida fue un castillo medieval inaugurado en 1202 por el rey Felipe Augusto como parte de la muralla que protegía la ciudad de invasiones. Varios años después se convirtió también en residencia real.

Luego, el castillo fue demolido y se construyó un palacio real renacentista que funcionó hasta 1682 (cuando la corte real y gubernamentales se trasladaron a Versalles).

Finalmente se convirtió en Museo de Louvre en 1792 (aunque abre sus puertas al público al año siguiente).

Este museo surge gracias a la monarquía francesa que se interesó por las bellas artes y comenzó una colección privada que se fue incrementando año tras año. 

Museo del Louvre

Enorme! Uno de los más grandes del mundo con más de 35.000 obras en exposición, entre ellas de las más famosas pinturas, además de todos los objetos expuestos. 

Tiene 4 entradas, la más famosa es la de la pirámide, por ende, aquí te vas a encontrar con las colas más largas para ingresar. Las otras entradas son: el

Passage Richelieu, la puerta de los Leones y la Galerie du Carroussel. Esta última también con acceso subterráneo ya que conecta con el subte (el metro).

El tiempo de tu visita al museo dependerá de lo que te guste y quieras ver, pero no creo que sea menos de 1 hora. Los tours suelen tener una duración de 2 hs. 

Lo cierto es que el museo es tan grande y hay tanto para ver que necesitarías varios días para poder apreciarlo todo. Asique lo aconsejable es ir sabiendo qué te gustaría conocer, verlo bien y después decidís qué haces, si te quedas un poco más o te vas, porque tanto cuadro y esculturas ¡marea! 

Horarios y costos del Louvre

Desde ya te digo que compres la entrada online. Es más fácil, hay menos cola para hacer y te da tranquilidad.

• Horarios: de 9 a 18 hs. (viernes hasta las 21.45)
• Martes cerrado
• Precio: 17 euros. (en taquilla son 15)
• Gratuito los 1eros domingos de cada mes
• Menores de 18 no pagan
• Gratuito menores de 26 años residentes del Espacio Económico Europeo.

A mi me gusta ir temprano siempre a todos lados, apenas abre. El primer horario generalmente hay menos gente. Los lunes y jueves son los mejores días para visitar el museo, no así los fines de semana que se recarga de gente.

Qué ver en el Louvre

En el exterior:

En primera instancia, apreciar el edificio en sí es una maravilla y pasear por sus 2 jardines también (el Carrusel y el de las Tullerías). Luego, al entrar a la plaza central, llamada «Cour Napoléon» vas a ver la gran pirámide en el centro.

Esta pirámide de cristal se hizo en el año 1988 con motivo de agregarle valor al museo. Y funcionó! es una atracción per se. De estilo neoegipcio, mide casi 22 m de altura y está hecha de vidrio y metal. Junto a ella hay 3 réplicas pequeñas.

Existe otra pirámide situada dentro del edificio, precisamente en el techo del centro comercial “Carroussel du Louvre”, que llama la atención por estar invertida.  Tiene 7 metros de altura.

En el interior:

Se exhiben pinturas, esculturas, antigüedades egipcias, griegas, romanas y etruscas, artes decorativas, dibujos y grabados, artes de África, Asia, Oceanía, oriente próximo e islámica.

La colección de obras comprende todas las etapas anteriores al impresionismo (año 1848).

Disposición del Louvre

A la entrada vas a poder adquirir un mapa físico – disponible en Español – para orientarte si lo necesitas.

El Louvre consta de 300 salas, distribuidas en 5 plantas que, a su vez, se reparten  en 3 alas. ¿Vamos bien? 🙂 🙃

Las 3 alas son: 

• Ala norte (Richelieu), 
• Ala este (Sully) y 
• Ala sur (Denon).

Ahora bien, lo primero que suele hacer la gente (me incluyo) es ir corriendo a ver la “Mona Lisa”. Esto es para sacarse la ansiedad y verla con menos gente (si vas al primer horario). Después más tranqui, hacer el recorrido deseado.

Artistas destacados

⭑ Leonardo Da Vinci

⭑ Eugène Delacroix ⭑ Jacques-Louis David

⭑ Théodore Géricault ⭑ J. A-Dominique Ingres

⭑ Peter Paul Rubens ⭑ Élisabeth Vigée Lebrun

⭑ Rembrandt ⭑ Paolo Veronese

10 obras más famosas del Louvre

1. La Gioconda

“La alegre” en castellano, es considerada la obra más importante y vista del mundo. Esta magnífica pintura pertenece al Sr. (genio) Leonardo Da Vinci (Italia). 

Es una obra renacentista al óleo sobre madera de 79 x 53 cm (relativamente pequeña). Se estima que fue pintada entre los años 1503 y 1519.

• Si bien no hay certezas de quién es realmente la modelo, se le atribuye el puesto a la esposa de Francesco del Giocondo: Lisa Gherardini. De allí derivarían sus nombres: 

                    ■ Monna (de Madonna) Lisa = en español, señora Lisa. 

                    ■ La Gioconda = esposa del Giocondo.

• Técnica del sfumato.

El sfumato (del italiano fumo = humo) es una técnica que consiste en difuminar los contornos y hacerlos imprecisos de este modo da una sensación de profundidad. La inventó Leo y es propia del renacentismo. Esto lo podes apreciar sobre todo alrededor de los ojos.

• Historia del famoso robo

En 1911 un italiano – ex empleado del Louvre – que consideraba que la pintura debía permanecer en su lugar de origen (Italia) decidió, un buen día, camuflarse de empleado y entrar en la galería para llevársela a casita. A sabiendas de cómo proceder a desmantelar el cuadro, lo arrebató de su lugar dejando el hueco entre el resto de la exhibición. Esto revolucionó el mundo del arte y la gente comenzó a concurrir al museo para ver…la pared vacía!! En efecto, esto le dio un valor inconmensurable a la pintura, sin desmerecer su genialidad, claro. 2 años y un poco más se tardó en dar con el paradero de la misma cuando don ladrón quiso vendérsela al director de la galería Uffizi, en Italia. 

Luego de ese hecho, la pintura tuvo otros ataques por diferentes protestas. Es por ello que se encuentra exhibida tras un gran cristal y a una distancia prudente.

¿Qué apreciar de la Mona Lisa?

           ■ La sonrisa enigmática: si la miras a los ojos, notaras que su sonrisa crece y si le miras directo a la boca, la sonrisa tiende a cerrarse (esto gracias al sfumato).

            ■ Fijate como sus manos… ¿Esconden un embarazo? 

          ■ Casi imperceptible, la Gioconda tiene un velo transparente en su cabeza.

           ■ La modelo carece de cejas y pestañas, aunque no se sabe si esto es adrede o quedó así por retoques posteriores.

          ■ Mires de donde la mires… ella te va a mirar a vos también!

        ■ El paisaje del fondo. Si te fijas con detenimiento, el lado derecho y el izquierdo del paisaje no coinciden. La altura del agua es diferente.

Se encuentra en la planta 1, Ala Denon, en el salón de los Estados – N° 711. 😏 (Mirala bien acá)

• Existen copias realizadas casi en simultáneo con la original: la más parecida, llamada también La Gioconda, está en el museo del Prado y se le atribuye a alguno de los alumnos de Leonardo. Otra es la “Mona Lisa de Isleworth”, guardada en un Banco de Suiza. Dicen que fue el mismito da Vinci quien la retrató.

2. Las Bodas de Caná

Frente a la Señora Lisa, y en contraposición con la pequeñez de su retrato, tenemos esta gran obra del pintor de Verona: Paolo Cagliari o Paolo Veronese, tal como se lo conoce (Italia). Se trata de una representación bíblica, precisamente del primer milagro de Jesús quien convirtió agua en vino (¡ya muchos quisieran!).

Es una obra manierista (renacentista) al óleo sobre lienzo de 677 x 994 cm, pintada en los años 1562 y 1563.

En el evangelio de Juan, en el Nuevo Testamento, se narra que en un festejo de bodas en Caná, Galilea (al norte de Israel y al sur de Líbano) al quedarse sin vino,  Jesus hace llenar 6 tinajas grandes con agua para después convertirlo en un vino muy gustoso.

La pintura fue un encargo para decorar el extenso total de una pared del Convento Benedictino San Giorgio de Venecia. El veronés tardó un poco más de 1 año para realizarlo y se cree que tuvo la ayuda de su hermano, Benedetto. El cuadro permaneció en el convento por más de 200 años hasta que Napoleón lo sustrajo para llevárselo a Francia en 1797.

cuadro

En el cuadro se aprecia una fiesta con presencia de muchas personas (varios de ellos conocidos de la época), principalmente alrededor de una gran mesa en forma de U. A los costados vemos columnas dóricas y corintias y un campanario al fondo. En la parte superior del recinto pueden verse a los sirvientes trabajando, incluso curioseando trepados en las paredes.

¿Qué ver en las bodas de Caná?

• En el centro de la mesa se encuentra Jesús (con un halo en su cabeza), te está mirándo; a su derecha está su madre, la virgen María, también con un halo aunque más pequeño y varios de sus discípulos.
• Los novios están desplazados en la esquina de la mesa, a tu izquierda.
• Arriba de Jesús, en un acto simbólico, pareciera que están sacrificando un cordero (alusión a que Jesús es el “cordero de dios” y será sacrificado) 
• Delante de la mesa y de Jesus, están los músicos, entre ellos el mismo veronés autorretratado, con túnica blanca, tocando la viola. A su lado están Tiziano, vestido de rojo, tocando el violón; Tintoretto con el violín y Jacopo Bassano con una corneta (todos pintores venecianos).
• A tu derecha podes ver a un hombre sirviendo el vino y otro, que es la representación de Benedetto, está observando y analizando la copa con el agua devenida vino.
• El reloj de arena en la mesa de los músicos. Este es símbolo de que todo llega a su fin. Alude también al sacrificio de Jesús.

La pintura se encuentra en la planta 1, Ala Denon, en el salón de los Estados – N° 711. (Mirala bien acá) 

3. Victoria de Samotracia

Ah! Es imponente verla desde lejos, desde cerca. Un ser mítico con alas desplegadas y posición heroica. ¡Magnífica!

La victoria alada de Samotracia o Niké, la diosa de la victoria, es una escultura griega del periodo helenistico correspondiente al S. II a. C. Se cree que es obra de Pithókritos de Rodas, hecha para conmemorar una victoria naval.

Fue descubierta en 1863 en el santuario de los Cabiros, en la isla de Samotracia, Grecia. 

Cuando la descubrieron estaba rota en varias partes. Pudieron reconstruirla pero nunca hallaron ni la cabeza ni los brazos, aunque sí encontraron una mano con 2 dedos. Cabe destacar que parte del ala derecha es una reconstrucción.

Escultura

Se hizo en bloques de costoso mármol, tiene una altura de 2,75 m (5,57 m con el pedestal). 

La escultura representa a la diosa posada (o recién posándose) sobre la proa de un barco. Con el pecho erguido, parece que camina contra el viento, generando dramatismo a la escena. El peso del cuerpo se encuentra en la pierna derecha mientras que la izquierda queda atrás, dando una sensación fresca y natural de desplazamiento. 

Las vestiduras finas y transparentes pegadas al torso – técnica conocida como “paños húmedos” – nos permite ver su piel y el ombligo que, junto con su figura en movimiento y forma de S – líneas curvas características de la época – produce sensualidad. Los mantos se cuelan entre sus piernas por el viento y sus alas se encuentran desplegadas. 

Según estudios realizados, tendría una mano levantada en señal de victoria o saludo y la otra a un costado o levemente elevada.

La escultura fue sometida a varias refacciones, la última se desarrolló en 2014.

Entre otras alusiones a esta diosa, sobresale la marca deportiva Nike, que toma su nombre prestado de esta diosa, al igual que su logo (✓) que representaría un ala. 

Se encuentra en la planta 1, al final de la escalera Daru (Ala Denon) (Mirala bien acá)  

4. Venus de Milo

Es uno de los grandes tesoros del Louvre y del mundo de las esculturas clásicas, esta famosísima escultura griega pertenece al periodo helenistico.

También conocida como La afrodita de Milos, fue descubierta en la isla de Melos o Milo, Grecia, en 1820 por un campesino que al poco tiempo la vendió a Francia. Por lo menos esa es la historia principal, hay varias teorías al respecto. 

Se cree que representa a la diosa griega Afrodita, diosa del amor y la belleza. Venus es la equivalente en la mitología romana. 

Atribuida (con dudas) su creación a Alejandro de Antioquia, es una obra de mármol blanco de 2,11 m., creada entre los años 130 a 100 a.C. aunque tiene rasgos que la clasifican del estilo clásico del siglo V a.C. y pesa así como 900 k!

Se realizó en 2 bloques unidos en la cadera casi imperceptible ya que se camufla con el drapeado del manto. Le faltan los brazos (algo que la ha hecho más famosa aún).

La diosa está parada, tiene el torso desnudo, inclinado un poco hacia adelante. La cabeza de costado mirando hacia abajo. Tiene un manto cubriéndole desde el pubis hacia abajo. Está apoyada sobre su pierna derecha mientras que la izquierda está adelantada y su rodilla flexionada. Al igual que Samotracia tiene forma serpentina (posición S), lo cual refleja naturalismo y realismo por su movimiento. Al parecer estaba adornada con joyas ya que la escultura tiene unos orificios que lo indicarían. 

Algunos dicen que el autor se inspiró en la Venus de Capua para hacerla. 

Posición de los brazos

Del por qué de la ausencia de los brazos hay hipótesis: que ya fue descubierta sin ellos, que las tienen los turcos escondidas, que se perdieron en el mar durante peleas por la escultura entre Francia y Turquía, etc.

Lo cierto es que no están y por la posición de los hombros se sabe que el brazo derecho está cruzando el cuerpo, asique se supone que con la mano derecha estaría sosteniendo el manto. Por el otro lado, el brazo izquierdo estaría elevado y su mano sosteniendo una manzana.

Esta es la hipótesis más sonada debido a que, cuando se la encontró, hallaron cerca partes del antebrazo y una mano sosteniendo una manzana, que se le atribuyen a esta estatua.

Y ¿qué significa la manzana? la respuesta está en el relato mitológico “El juicio de Paris”. 

He aquí una representación en 3D de cómo se vería completa la Venus.

Se encuentra en la planta 0, Ala Sully, en el sala N° 345.

5. La Balsa de la Medusa

Es una obra del romanticismo al óleo sobre lienzo de 491 x 716 cm. Fue pintada en los años 1818 y 1819 por el pintor francés Théodore Géricault. 

El cuadro – precursor del movimiento romántico – representa una situación real del naufragio de la fragata de la marina francesa “Medusa” acaecida en julio de 1816 cuando la misma se dirigía en una misión a Senegal.

La fragata contaba con 400 personas a bordo, entre ellas un capitán negligente y poco ético, que ocupó ese rol por favoritismo político. Cerca de las costas de Mauritania, en África occidental, el capitán, por desoír advertencias, perdió la conducción del navío y éste encalló en una bahía, a alrededor de 50 km de tierra firme. Como los botes salvavidas no eran suficientes para todos, se decidió improvisar una suerte de balsa con materiales de la fragata, de 20 metros de largo y 7 de ancho en la que se subieron 146 hombres y 1 mujer (el capitán se aseguró su lugar en un bote).

Al principio la balsa iba sujeta con cuerdas a los botes pero luego esta conexión se cortó porque era un riesgo inminente para estos. Así que ahí quedó la balsa a la deriva. 13 días después los hallaron de casualidad. Sólo 15 hombres sobrevivieron. 

En estos días soportaron la deshidratación, el hambre, la desesperación, la locura, el canibalismo, suicidios y matanzas. Un hecho crudo y horrible que tuvo consecuencias político sociales.

Cuadro

Gericault se obsesionó con el tema, tanto así que estudió mucho el caso, hablando con 2 de los supervivientes, solicitando a la morgue partes de cadáveres para poder retratar lo más fiel posible el color de la carne muerta, entre otras cosas.

Eligió retratar el momento en que los desesperados náufragos tratan de llamar la atención de un barco que se ve a lo lejos. Allí se refleja la miseria de la tripulación mezclada con la esperanza de ser rescatados.

La pintura es una mezcla de barroco, romanticismo y realismo. El autor juega con el claroscuro, con colores beige, propio de un ambiente turbio, solo se destacan unos rojos tenues distribuidos en la pintura. 

Como efecto simbólico la vela del barco se mueve en dirección a la izquierda, es decir, hacia la muerte, justo al contrario del lugar donde está el barco (la salvación).

¿Qué ver en la pintura?

• Cuerpos moribundos o parte de ellos distribuidos en la balsa
• las expresiones. Sobre todo de desánimo y esperanza.
• El hacha con que cortaban los cuerpos para comerlos. Está a tu derecha.
• Delacroix retratado como cadáver. El de la esquina a la izquierda.
• El barco, casi imperceptible, se ve muy a lo lejos.

Se encuentra en la planta 1, Ala Denon, en el sala N° 700. (Mirala bien acá)  

6. La Consagración de Napoleón

Jacques Louis David (Francia) era el pintor oficial de Napoleón, además de ser su amigo.

Esta gran obra neoclasicista al óleo sobre lienzo de 6,67 m x 9,90 m. fue pintada entre los años 1805 y 1809.

El mismísimo y emblemático señor Napoleón Bonaparte se la solicitó a David ya que quería inmortalizar el día en que se coronó como emperador de Francia, el 2 diciembre de 1804, en la catedral de Notre Dame de Paris. 

Algo destacable y controversial fue que el “pequeño caporal” (tal era su sobrenombre) se autocoronó y coronó a su esposa, Josefina de Beauharnais, siendo esta tarea, la función del papa. 

La coronación por mano propia simboliza su derecho a la corona por voluntad del pueblo. Este hecho fue discutido y repudiado por muchos, entre ellos por el Sr. Beethoven quien fue simpatizante del emperador y quien le iba a dedicar su tercera sinfonía (Heroica) pero, por este hecho, le retiró tal honor y su admiración.

Cuadro

La pintura refleja el momento en que Napoleón (ya autocoronado) está por coronar a su esposa ante la mirada de casi 200 personas en la catedral, incluso la de su madre, Maria Letizia Ramolino, quien en verdad no asistió a la coronación. 

¿Qué ver en la obra?

• Napoleón I alza en sus manos la corona para nombrar emperatriz a su esposa.
• Josefina, arrodillada y con la cabeza gacha espera la coronación de manos de su esposo. Al momento, ella tenía 41 años pero el pintor la retrató bastante más joven.
• El papa Pío VII está sentado atrás de Napoleón, bendice el acto (esto no sucedió en realidad pero Napoleón así lo quiso retratado).
• La cruz es el eje del cuadro. 
• La madre se encuentra sentada en el 1er palco, al fondo.
• Los hermanos y las hermanas del caudillo están en hilera a la izquierda.
• El mismo David – quien sí asistió a la coronación – se autorretrató en el 2do palco (es el 2do de la izquierda), está esbozando el momento.
• La escultura “piedad”. Está a tu derecha sobre la pared, se ve de costado.

Se encuentra en la planta 1, Ala Denon, en el sala N° 702. (Mirala bien acá) 

Existe una réplica que David pintó entre 1808 y 1922. Se encuentra en Versalles.

7. La libertad guiando al pueblo

Se trata de uno de los cuadros más famosos de todos los tiempos, que fue pintado por el francés Eugène Delacroix en el año 1830.

Es una obra correspondiente al romanticismo hecha al óleo sobre lienzo de 260 cm x 325 cm. 

La pintura simboliza la revolución acontecida en julio de 1830 al enfrentarse el pueblo – especialmente los burgueses – contra el rey de ese entonces, Carlos X, que pretendía restringir la libertad. El asunto duró 3 días y finalizó con la destitución de don Carlos.

A París se la ve envuelta entre un cielo nuboso y la humareda de la contienda, creando un ambiente dramático y emotivo propio del romanticismo. Los revolucionarios, formando una barricada, siguen a una mujer descalza y con el torso desnudo que sostiene la bandera francesa en la mano derecha y en la otra una bayoneta, alentandolos en su combate por la libertad.

Al parecer, Delacroix se basó en el cuadro “La balsa de la medusa” de su amigo Gericault, para componer esta obra. Por ejemplo, por su estructura piramidal, con los muertos abajo y en lo alto un personaje agitando una bandera llamando la atención.

Sobresale de la gama de colores sombríos, mayoritariamente ocres, la bandera francesa por sus colores y por su movimiento flameante. 

Esta obra está cargada de simbolismo político. Entre otros, podemos ver la mezcla de clases en la batalla: burgueses, trabajadores, estudiantes y niños. Fueron los primeros quienes se beneficiaron de la batalla destituyendo a la aristocracia y tomando el poder.

¿Qué ver en la obra?

• Las torres de la catedral de Notre Dame a lo lejos nos indican que estamos en París.
• La mujer: es la representación de la libertad. Se trata de “Marianne” un símbolo nacional Francés, creado luego de la revolución de 1789. Lleva gorro frigio. 
• El niño con pistolas al lado de la mujer. Usa una boina estudiantil para simbolizar la fuerza juvenil. Hay otro niño a tu izquierda, agachado, con una espada en la mano.
• Delacroix autoretratado. Aparece a tu izquierda, vestido como burgués, con sombrero de copa y pantalón de artesano cargando un fusil en sus manos. (En verdad no participó de la revuelta).
• El hombre con espada. Se encuentra al lado de Delacroix. Representa a la clase trabajadora. 
• Chico moribundo: arrodillado en la barricada mira hacia arriba a la mujer. Está vestido con los colores de Francia.
• Los caídos: pertenecen al ejército de Carlos X. Uno vestido de la guardia suiza, otro  semidesnudo  y un soldado de caballería.
• Al fondo están los estudiantes, de los cuales uno lleva un gorro bonapartista.

• La famosa banda Coldplay usó este cuadro como portada para su disco “Viva la vida …”

Se encuentra en el planta 1, Ala Denon, en el sala N° 700. (Mirala bien acá)

8.  La encajera

Es una obra barroca al óleo sobre lienzo de 23,9 cm x 20,5 cm, el cuadro más pequeñín del autor. Fue pintado (fecha probable) en el año 1669. 

Johannes Vermeer es un destacado artista barroco neerlandés que pocas obras nos ha dejado, apenas unas 35, pero que de estas hay varias que se destacan, como “La joven de la perla” o “El Astrónomo”. Es principalmente reconocido por el gran manejo de la luz en sus obras y es por ello que La encajera se llevó el aplauso de artistas renombrados como Van Gogh, Renoir – quien dijo que era la obra más bella del mundo – y Dalí quien realizó una versión surrealista del mismo. 

Como era común en Holanda en aquellas épocas, Vermeer solía dedicarse a la pintura costumbrista, es decir que retrataba escenas de la vida cotidiana. En la encajera retrata a una muchacha concentrada en la confección de un encaje. 

Está inmersa en su tarea, delicadamente trabaja con las bovinas y es eso justamente lo que nos capta la atención ya que no hay nada más que nos distraiga.

El fondo es claro y uniforme, tiene como función contrastar con los colores de la mujer (quien no es la esposa del pintor como se decía) y del frente. La luz le llega verticalmente, dejando a la sombra la mesa y los otros objetos. Su vestido amarillo nos indica que no es una trabajadora de esta faena, sino que esta en la conformidad de su casa, probablemente en Delf, ciudad donde radicaba el artista y en donde pintó la mayoria de sus cuadros.

¿Qué ver en la obra?

• La muchacha concentrada, es ella la que recibe toda la luz en la obra.
• El vestido amarillo y transparencias del cuello.
• El libro. Al parecer sería una biblia
• El cojín es típico de Delf, dentro de él se guardan los hilos. 
• Se puede ver muy levemente la fima IVMeer en ella.

Se encuentra en el planta 2, Ala Richelieu, en el sala N° 837.

9.  Retrato de luis XIV

Es una obra barroca al óleo sobre lienzo de 876 cm de largo x 191 cm de ancho. fue pintada en el año 1701 por Hyacinthe Rigaud (Francia), quien era bien conocido por sus retratos y por ser el retratista de la corte de Luis XIV. Esta representación es la más conocida del Rey.

Apodado “rey sol” o “Luis el grande”, Luis XIV ostenta el título de reinado más largo de la historia con casi 73 años (1643 a 1715), secundado por la reina Isabel de Inglaterra con 70 años al mando. Luis comenzó su monarquía a los escasos 4 años de edad – al fallecer su padre, el rey Luis XIII – y continuó hasta su muerte, a 4 días de cumplir 77 años.

Este cuadro exuberante y de gran tamaño, fue realizado cuando su majestad tenía 62 años de edad. Él mismo fue quien encargó el cuadro para regalárselo a su nieto Felipe V, rey de España, pero como le gustó tanto, decidió conservarlo y mandó a Rigaud a hacer otro nuevo para su nieto – el cual hoy se encuentra en el museo del Prado.

La obra se conservó hasta 1793 en el palacio de Versalles, majestuoso edificio, con hermosos jardines que el rey convirtió en residencia familiar, sede de su corte y símbolo de la monarquía absolutista. Luego el retrato fue trasladado al Museo del Louvre. Igualmente hoy en día hay una réplica en el palacio.

cuadro

El cuadro emana grandeza y poder, con un rey seguro y rodeado de lujo. Su cuerpo está de perfil pero voltea su cabeza para mirar al frente, al espectador. Lo cubre el manto de armiño característico de las realezas (el nuevo rey, Carlos III usó en su coronación, un manto de armiño de sus antepasados).

Usa peluca, tacones (porque era bajito) y se apoya en la mesa con el cetro. 

¿Qué ver en la obra?

• De fondo una tela fina color rojiza 
• La columna de mármol (en su base hay una mujer con espada y balanza)
• Manto de armiño azul con flores de lis (representativas de la familia Borbón) que combina con el mantel de la mesa, el cojín encima y el forro del trono atrás.
• Su peluca, encajes en las muñecas, medias blancas y zapatos de tacón rojo. Su vestimenta característica.
• Los 3 elementos de poder: la espada, el cetro y la corona.
• Sus piernas. ¿te parece que son propias de un hombre de su edad?

Se encuentra en el planta 1, Ala Sully, en el sala N° 602.

10.  El tramposo o El tahúr del As de diamantes 

Es una obra barroca al óleo sobre lienzo de 106 cm de alto x 146 ancho cm. fue pintada alrededor del año 1635 por el francés Georges de la Tour.

Este artista está fuertemente influenciado por Caravaggio, especialmente por la pintura tenebrista (estilo caracterizado por un marcado contraste entre luces y sombras), siendo el pintor francés más famoso en este estilo. 

Pero antes de ese período se dedicaba al estilo de género o costumbrista (donde se representan escenas cotidianas), tal es el caso de esta obra.

En El tramposo o El tahúr del As de diamantes – o simplemente El tahúr, se retrata una partida de cartas entre 3 personajes y una criada que atiende a los jugadores.

Se cree que el artista se inspiró en la obra “Jugadores de cartas” de Caravaggio (exhibida en el museo de Kimbell Art, en EE.UU).

Según la RAE, un tahúr es una persona habilidosa en el juego. En ciertos casos se utiliza para nombrar a un jugador que hace trampa. 

En la escena se ve cómo el personaje de la izquierda del cuadro está cambiando cartas en su espalda para ganar la partida fraudulentamente. A través de miradas cómplices, sabemos que está complotado con la criada y la jugadora para timar al joven adinerado.

Mientras la criada sirve un vaso de vino para la jugadora, está hace un gesto con la mano para indicar que es el turno del tahur. Éste sostiene 3 cartas en una mano (se ve que 2 son de diamantes) y con la otra, en el cinturón en su espalda, cambia un As de pikas por un As de diamantes para poder ganar. 

¿Qué ver en la obra?

• Fondo oscuro. solo vemos lo que pasa alrededor de la mesa.
• La cara del tahur es la única que está en la sombra.
• Monedas. La abultada cantidad del joven, las de la mujer y algunas monedas del tahúr tras su brazo.
• Cartas. El joven y la mujer tienen 4 cartas en las manos, mientras que el tahúr sostiene 3 delante de la mesa y en su espalda otras 2. 
• Uñas sucias (Caravaggio también pintaba así). 
• Miradas cómplices.

Se encuentra en el  planta 2, Ala Sully, en el sala – N° 912. (Mirala bien acá) 

De la Tour solía replicar sus obras, y justamente ésta es una réplica. Unos años antes pintó El jugador del As de trébol, la cual se exhibe en el museo antes mencionado. Hay varias diferencias sutiles entre las  2, he aquí algunas:

• El bigote del tahur
• El collar de perlas de la mujer
• El turbante de la criada
• La expresión del joven

Otras obras que te pueden interesar

• Psique reanimada por el beso del amor – escultura de Antonio Canova
• El sarcofago de Cerveteri – Pieza etrusca
• El juramento de los Horacios – Jacques Louis David
• El Esclavo moribundo y el Esclavo rebelde – esculturas de Miguel Angel
• La bañista – Dominique Ingres

Anotate bien las obras que quieras ver, el número de sala en donde están y armá el recorrido! 

Si queres ahondar más acá te dejo los 24 cuadros que el Louvre recomienda

Es aconsejable ir con calzado y ropa cómoda. si bien hay bancos y te podes sentar a descansar, la mayor parte del tiempo estas caminando.

• He aquí la página web del Louvre.
•  Indagá sobre el Paris pass por aquí.

• ¿Consejos de viajes? Acá!
• Vas a Europa? conoce las normativas del espacio Schengen acá.

Así que ¡Ánimo! ¡A viajar! y a recordar que viajar es estudiar, es aprender y conocer, es magia, es terapia, ¡viajar es todo! ¡¡¡A disfrutar!!!

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